24 Ene La Muerte de la Pintura y la Migración de la Belleza.
Como el síntoma de una crisis civilizatoria más profunda que afecta la relación del ser humano con el arte, el tiempo y el sentido.
La Muerte de la Pintura y la Migración de la Belleza por Souad Khalil
A lo largo de su extensa historia, la pintura nunca ha sido simplemente una superficie coloreada ni una demostración de destreza técnica, sino más bien un testimonio civilizatorio, un espejo sensible de las transformaciones humanas, de las preguntas existenciales, de los sueños, de los conflictos y de las tragedias. Desde los primeros signos trazados por el ser humano en las paredes de las cavernas hasta las cumbres alcanzadas por la pintura en las épocas de la filosofía, el Renacimiento y la modernidad, la estética visual ha sido uno de los lenguajes más poderosos, capaz de cautivar los sentidos y abrir horizontes de contemplación.
Sin embargo, las profundas transformaciones provocadas por la Revolución Industrial —seguidas por el colonialismo, la opresión, la mercantilización y la acelerada explosión tecnológica y cognitiva— han vuelto a plantear con fuerza la cuestión del arte y la belleza: ¿sigue siendo la pintura capaz de cumplir su función civilizatoria? ¿O acaso la belleza la ha abandonado, del mismo modo que el ser humano ha abandonado los rituales de la contemplación lenta en favor de espacios más rápidos y consumistas?
Este artículo parte de esta pregunta crucial para intentar deconstruir la noción de la “muerte de la pintura” y la migración de la belleza, no como el simple final de una forma artística, sino como el síntoma de una crisis civilizatoria más profunda que afecta la relación del ser humano con el arte, el tiempo y el sentido.
La pintura ha sido durante mucho tiempo uno de los testigos más duraderos de la civilización humana, llevando en sus formas las huellas de la creencia, el poder, la belleza y el conflicto. Desde las paredes de las cuevas hasta los museos y palacios, ocupó un lugar central en la formación del gusto colectivo y la conciencia estética. Sin embargo, las profundas transformaciones provocadas por la Revolución Industrial y la vida tecnológica moderna han alterado esta posición. La belleza comenzó a alejarse del lienzo, mientras que la pintura misma enfrentaba un creciente distanciamiento de su público. Este artículo reflexiona sobre la noción de la “muerte de la pintura” y la migración de la belleza, examinando las fuerzas históricas, sociales y culturales que remodelaron la relación entre la obra de arte, el artista y el espectador, y cuestionando si la pintura realmente falló en su papel civilizacional, o si fue la propia civilización la que abandonó las condiciones necesarias para su supervivencia.
Aunque muchas pinturas a lo largo de la historia han representado escenas de combate y violencia y retratado héroes, no entraron realmente en el ámbito del conflicto como tema central hasta después de la Revolución Industrial. Su concepto ya no correspondía al antiguo orden estético que armonizaba con palacios, reyes y emperadores. La Revolución Industrial, a pesar de la magnitud de su influencia recíproca en el desarrollo del pensamiento, la humanidad y la producción, fue al mismo tiempo una causa fundamental de colonialismo, opresión, hambre, sumisión, esclavitud y odio.
La problemática relación entre civilización, productor y consumidor no estaba lejos del arte. Durante mucho tiempo, el público permaneció únicamente como consumidor de arte, hasta que las teorías de la recepción y la interpretación confrontaron a la audiencia con una gran revolución, transformándola en participante de la producción de la obra para comprender su belleza. La decepción fue profunda cuando la pintura se encontraba en un valle y su público en otro. ¿Se volvió la pintura incapaz de cumplir su papel civilizacional en nuestro tiempo, en comparación con los instrumentos de la civilización contemporánea, o el público falló en captar su significado y su papel en la vida?
Después de un largo viaje marcado por el dolor, desde las paredes de las cuevas, pasando por salas de museos, espacios de exhibición y muros de palacios, la pintura declaró su muerte, después de que la belleza la abandonara, para no regresar jamás. Entre los primeros afectados por esta muerte estuvieron los artistas visuales, que abandonaron sus herramientas después de que el largo camino los agotara y desgastara en sus luchas expresivas. Entre sus más cercanos dolientes estuvieron los críticos, que no dejaron de interrogarla mediante diversas metodologías, a veces elogiándola, otras evaluándola y en ocasiones condenándola. Y entre todos los presentes en su funeral estaba su reducido público, que continuaba deambulando entre salas de exposición y casas de subastas, a veces como compradores, otras como vendedores y en ocasiones como falsificadores. Así, la pintura anunció su muerte, al igual que muchas ciencias y artes habían anunciado su último capricho antes que ella.
El Dr. Iyad Al-Husseini, hablando de la muerte de la pintura y la migración de la belleza, pregunta: ¿desvanece realmente ese encanto cautivador que conquista los corazones?
Esta civilización, orgullosa de sus símbolos de belleza y saturada por el lujo de la expresión, ha estado acompañada por la senescencia durante mucho tiempo. Desde sus inicios, la pintura comenzó como un símbolo religioso que expresaba rituales y creencias, luego se plegó bajo el manto de la filosofía cuando la elevación del sujeto en la civilización griega se convirtió en expresión de gloria y conexión intelectual. Alcanzó su extensión durante el Renacimiento con Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, y luego pasó por etapas de transformación en el siglo XIX de la mano de Cézanne, Manet, Monet, Van Gogh y otros.
A lo largo de su arduo viaje, se movió entre Clasicismo, Realismo, Impresionismo, Surrealismo, Abstracción, Expresionismo, Modernismo y Posmodernismo, lo antiguo y lo nuevo, acompañada por generaciones de pintores y escultores, imponiéndose en muchas sociedades, quizá las mejores eran aquellas en las que el propio artista era infeliz y pálido. Solo los ojos de una élite consciente y cultivada la contemplaban, deleitándose en su belleza y comprendiendo su significado.
Aunque muchas pinturas incluían temas de asesinato y violencia y retrataban héroes, no entraron en el tema del conflicto hasta la Revolución Industrial, cuando su concepto ya no se alineaba con el antiguo orden adecuado para palacios, reyes y emperadores. La Revolución Industrial, a pesar de la magnitud de su influencia recíproca en el desarrollo del pensamiento, la humanidad y la producción, fue también causa fundamental de colonialismo, opresión, hambre, sumisión, esclavitud y odio, cuando las naciones industriales necesitaron recursos y mano de obra fuera de sus fronteras, después de que sus propios recursos resultaron insuficientes para satisfacer las demandas de la nueva revolución. El único medio para adquirir nuevos recursos fue el saqueo, el robo y la esclavitud de los pueblos.
El artista, como ser humano, descubrió de repente que el pan que comía estaba impregnado de humillación, opresión y servidumbre, y que los rasgos de la naturaleza, el esplendor y el atractivo como símbolos en la imagen pintada ya no eran capaces de purificar ese pan. La pintura se convirtió así en testigo de la lucha entre la crueldad y el dolor, entre la explotación y la avaricia, entre la supervivencia y la aniquilación. Los símbolos de la belleza se transformaron de signos de alegría a una belleza que evoca tristeza, dolor y miseria, hasta que la confianza del artista en capturar símbolos expresivos se convirtió en medida de la experiencia creativa y subjetiva que da testimonio de las capacidades de su creador a lo largo del siglo XX.
Indudablemente, a lo largo de su larga historia, la pintura ha tenido numerosos fines y funciones diversas. Sin embargo, lo que finalmente permaneció fue ese encanto cautivador que llamamos belleza, en sus muchas formas, la belleza que cautiva los corazones y fascina la mente. Cuánto hemos necesitado siempre dosis de ella, una y otra vez, para hacer posible la vida. Los amantes de la belleza la buscaban con gran pasión, mientras que al mismo tiempo no significaba nada para la gran mayoría de las personas.
La pintura significaba para la belleza solo lo que llevaba y las direcciones a las que estaba conectada. Para los comerciantes no significaba más que piezas de madera unidas con clavos en las cuatro esquinas. Pero para el artista significaba mucho: una condensación de experiencia vivida, conocimiento y capacidades creativas que añaden algo nuevo a la vida.
Sí, era esa dosis de belleza, ese encanto cautivador que nos poseyó durante siglos mientras la buscábamos por tierras y sociedades. Sin embargo, la belleza abandonó la pintura después de dejar museos y palacios. Ya no escuchamos hablar de personas que visitan museos o frecuentan galerías, porque las transformaciones de la vida y el clima prevaleciente recibieron a la belleza migrante de los museos en los mercados, las calles y los hogares. La tecnología, los materiales, las sustancias, las herramientas y las industrias invadieron cada rincón de la vida contemporánea. Cada producto adquirió sus propias ventajas estéticas y necesidades, un nuevo tipo de belleza que emerge a través de la función, el uso, la herramienta y la utilidad.
Sí, es esa dosis de belleza que genera placer, ya no necesariamente vinculada a un cuadro o una escultura, sino quizá emanando de un teléfono móvil, un coche moderno, la visualización de una película o la compra de un par de zapatos nuevos.
La tecnología y los nuevos materiales no fueron las únicas causas de estas transformaciones. La entrada de numerosos enfoques teóricos y corrientes intelectuales en la pintura también jugó un papel. La pintura ya no significaba las superiores habilidades artesanales producidas por el dominio de la técnica, sino que se convirtió en un texto visual e intelectual sujeto a problemas históricos y dificultades interpretativas. Esto es natural, ya que la pintura vivía dentro del clima intelectual que atravesaba la sociedad en todas sus transformaciones.
Así, se volvió habitual ver restos en descomposición en una sala de exposiciones, o montones de desechos de los que se espera extraer una dosis de belleza impuesta por la visión del artista, o un solo campo de color que el artista quiere convencernos que representa un dolor sin límites.
El dilema civilizacional entre productor y consumidor no estaba lejos del arte. Durante mucho tiempo, el público permaneció como consumidor de arte hasta que las teorías de la recepción y la interpretación lo confrontaron con una gran revolución, transformándolo en participante de la producción de la obra para comprender su belleza. La decepción fue grande cuando la pintura estaba en un valle y su público en otro. La pintura se había vuelto incapaz de cumplir su papel civilizacional en nuestro tiempo, en comparación con el vocabulario de otra civilización, o el público no logró captar su significado y su papel en la vida.
La brecha se amplió día tras día hasta que el ser humano descubrió que la belleza obtenida de una hamburguesa era mejor que mil pinturas incomprensibles que no significaban nada para él.
En uno de sus memoriales, la pintura estaba estrechamente asociada con la época del Romanticismo y la prosperidad, ya que confería a esa era una imagen completa y multidimensional. Nos dejó después de que abandonamos la era romántica por una época de rebelión, horrores políticos y opresión. Antes de despedirse, se volvió incapaz de expresar el movimiento de la vida moldeado por la tecnología rápida que ya no nos deja espacio para contemplación, reflexión o meditación.
Como uno de los afectados por su muerte, más allá de llorar su partida, le pedí a la pintura más de lo que fue creada para dar, y sentí decepción al no encontrar que el mundo hubiera cambiado después de completarla. Como otros creadores, sentí que ese miserable nacimiento no significaba nada para nadie en el universo excepto para mí, que era solo testigo de la tragedia del ser humano desde su nacimiento, y simplemente expresión de la amargura de una lucha eterna que deseaba no dejar más que desesperación.
La pintura declaró su muerte; el testigo murió, la belleza la abandonó y la fealdad se convirtió en la medida de la verdad, hasta que la tragedia fue archivada contra un culpable desconocido.
La proclamada muerte de la pintura revela más que el declive de un medio artístico; expone una crisis más profunda en la comprensión moderna de la belleza y el significado. A medida que la belleza migraba de los museos y galerías a los mercados, tecnologías y productos cotidianos, la pintura perdió su espacio privilegiado como lugar de contemplación y resonancia interior. La brecha entre la visión existencial del artista y un público guiado por el consumo continuó ampliándose, hasta que la fealdad fue aceptada como nueva medida de la verdad. Sin embargo, incluso en su declarada muerte, la pintura sigue siendo un testigo silencioso de la larga lucha de la humanidad con el dolor, la explotación y la pérdida. Su ausencia no significa el fin de la belleza, sino más bien su transformación en una presencia dispersa y efímera, que continúa cuestionando nuestros valores, nuestras elecciones y el tipo de civilización que aún estamos dispuestos a defender.
La proclamación de la muerte de la pintura, tal como se manifiesta a lo largo de este recorrido reflexivo, no significa tanto la desaparición del arte como la revelación de una transformación radical en los lugares y en los criterios de la belleza. La belleza no ha desaparecido; ha abandonado sus espacios tradicionales, migrando hacia la calle, la mercancía, la tecnología y la función, para manifestarse en formas nuevas que ya no se asemejan a aquellas modeladas por la conciencia estética clásica. Entre una pintura que ha perdido su capacidad de afectar y un público que ya no dispone del tiempo necesario para la contemplación, la distancia se ha ampliado hasta el punto de que, en ocasiones, lo feo se convierte en la medida más sincera para expresar la tragedia de nuestro tiempo.
No obstante, el duelo del artista por la pintura sigue siendo legítimo, pues esta fue testigo de una humanidad que buscaba la salvación a través de la belleza y no mediante el consumo. Tal vez la pregunta esencial no sea si la pintura ha muerto, sino si el ser humano ha cambiado tan profundamente que ya no es capaz de escuchar el llamado de la belleza.
En este sentido, la pintura no aparece tanto como muerta, sino suspendida entre dos épocas, testigo de la fractura de una antigua relación entre el arte y la vida, y anunciando —en su silencio final— la tragedia de una civilización que ha sustituido la contemplación por la velocidad, el sentido por la utilidad y la belleza por el mercado.
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